La Arquitectura como juego. Objetos vivos, juegos sociales

1. INTRODUCCIÓN
2. ARTE DE ACCIÓN
EL HAPPENING
– Allan Kaprow
– Jim Dine
– Sturat Brisley
LA PERFORMANCE
– John Cage
– Gilbert and George
– Joseph Beuys
FLASHMOBS
3. ARTE Y PERCEPCIÓN
GRANDES ESPACIOS
– Claes Oldenburg
– Christo + Jeanne-Claude
– Gabriel Orozco
JUEGOS DE PERCEPCIÓN, GEOMETRÍA
– Felice Varini
– Escher
ARQUITECTURA
– SITE
– James Turrel
– Peter Eisenman
4. OTROS

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1. INTRODUCCIÓN

Hay artistas que cantan y entretienen… Otros que con el juego de la palabra “dibujan” vidas, “pintan” paisajes, retratan gentes…
Algunos juegan con la aparente transformación física de los espacios…
Otros cuentan con el poder mágico de hacer reír a los demás…, de sorprender…, de ayudar a reflexionar…, de suscitar la polémica o el compromiso…

Hay arte en vivo, cuyas manifestaciones vienen a nuestro encuentro… Arte que nos espera para ser contemplado… Arte escondido, olvidado, que alimenta el espíritu de un nuevo artista…
Puede ser abstracto, complejo…, o real, sencillo, cercano…

El Arte es la vida misma?  Está dentro de cada ser humano ?…

“Sabe esperar, aguarda que la marea fluya
-así en la costa un barco- sin que al partir te inquiete.
Todo el que aguarda sabe que la victoria es suya;
Porque la vida es larga y el arte es un juguete.
Y si  la vida es corta
Y no llega la mar a tu galera
Aguarda sin partir y siempre espera,
Que el arte es largo y, además, no importa”

Antonio Machado

El hombre y el entorno se influyen mutuamente. Como muestra sencilla leo el testimonio autobiográfico de Antonio Machado definiéndose con el paisaje que le acompaña. Es su autorretrato.
Sus versos resuenan también de forma bella en la voz de Joan Manuel Serrat. Arte “encadenado” y que ha supuesto para muchas gentes de diversas procedencias, vivencias positivas, enriquecimientos hondos, reacciones emotivas y relajantes…

“Retrato”

Mi infancia son recuerdos de un patio de Sevilla,
y un huerto claro donde madura el limonero;
mi juventud, veinte años en tierras de Castilla;
mi historia, algunos casos que recordar no quiero.

Ni un seductor Mañana, ni un Bradomín he sido
—ya conocéis mi torpe aliño indumentario—,
más recibí la flecha que me asignó Cupido,
y amé cuanto ellas puedan tener de hospitalario.

Hay en mis venas gotas de sangre jacobina,
pero mi verso brota de manantial sereno;
y, más que un hombre al uso que sabe su doctrina,
soy, en el buen sentido de la palabra, bueno.

Adoro la hermosura, y en la moderna estética
corté las viejas rosas del huerto de Ronsard;
mas no amo los afeites de la actual cosmética,
ni soy un ave de esas del nuevo gay-trinar.

Desdeño las romanzas de los tenores huecos
y el coro de los grillos que cantan a la luna.
A distinguir me paro las voces de los ecos,
y escucho solamente, entre las voces, una.

¿Soy clásico o romántico? No sé. Dejar quisiera
mi verso, como deja el capitán su espada:
famosa por la mano viril que la blandiera,
no por el docto oficio del forjador preciada.

Converso con el hombre que siempre va conmigo
—quien habla solo espera hablar a Dios un día—;
mi soliloquio es plática con ese buen amigo
que me enseñó el secreto de la filantropía.

Y al cabo, nada os debo; debéisme cuanto he escrito.
A mi trabajo acudo, con mi dinero pago
el traje que me cubre y la mansión que habito,
el pan que me alimenta y el lecho en donde yago.

Y cuando llegue el día del último viaje,
y esté al partir la nave que nunca ha de tornar,
me encontraréis a bordo ligero de equipaje,
casi desnudo, como los hijos de la mar.

Poema de Antonio Machado. Canción de Joan Manuel Serrat.

¡Es importante reivindicar el valor de esas obras con gran carga autobiográfica desde el punto de vista estético y lírico!
Son artistas que despiertan lo espiritual, trasmitiendo su carga de intimismo. Llegan a cada persona. No existe el efecto multitud, pero es “juego” interior; también “objetos vivos”.

Existen muchas formas de concebir el arte, de manifestarlo, de reivindicarlo. No obstante, en la historia de las manifestaciones artísticas encontramos un “ir y devenir”. Actividades que llevan “el sello” de un tiempo, de una sociedad, de una búsqueda, de una queja…, y que están presentes ahora, en el siglo 21, pero estuvieron también en el siglo 20; y es posible que sigan acompañando los espacios vitales de los seres humanos, siempre…Formas representativas, expresiones externas diversas, pero que nacen de la dimensión creativa del ser humano y de la necesidad de hacer visibles nuestras esperanzas, nuestras búsquedas, nuestros pesos…, que en el fondo son atemporales.

Ya sean acciones producidas, “actuadas”, por gente que busca la interacción o reacción de otra gente; ya sean “juegos” visuales, espaciales…producidos mediante objetos, pintura…, y que buscan la sorpresa a nivel perceptivo; las raíces, las motivaciones, están dentro de las personas y de su entorno y responden a la necesidad de comunicación.

2. ARTE DE ACCIÓN

Sus precedentes se encuentran en las vanguardias artísticas de los años 20, cuyos movimientos buscaban innovación en la producción artística; se destacaban por la renovación radical en la forma y el contenido; exploraban la relación entre arte y vida; y buscaban reinventar el arte confrontando movimientos artísticos anteriores.
Una de las características visibles de las vanguardias es la actitud provocadora. Se publican manifiestos en los que se ataca todo lo producido anteriormente, que se desecha por desfasado, al mismo tiempo que se reivindica lo original, lo lúdico, desafiando los modelos y valores existentes hasta el momento.
Surgen diferentes “ismos”: futurismo, dadaísmo, cubismo, constructivismo, ultraísmo, surrealismo…, diversas corrientes vanguardistas con diferentes fundamentos estéticos, aunque con denominadores comunes.
Autores como Peter Bürger (“Teoría de la vanguardia“) distingue entre “auténticas” vanguardias, a aquellos movimientos que orientaron su confrontación hacia la institución arte y la dimensión política del accionar artístico en la sociedad, y concentraron sus innovaciones en la búsqueda de nuevas funciones y relaciones con el poder.

El arte de acción surge en los años 50 con precedentes en las veladas futuristas, dadaístas o surrealistas, y se desarrolla y acepta como arte en las décadas de los sesenta y setenta, en tres de sus manifestaciones: happening, fluxus y performance. Su objetivo fue liberar al arte de su carácter económico haciendo obras que no son objetos, sino acontecimientos.
Supuso un acercamiento del arte a la vida y una nueva concepción de artista y de público. El artista es un mediador que con distintos medios (pintura, escultura, vídeo, danza, teatro, cine, sonidos, etc.) expone una situación que el espectador ha de interpretar, vivir, sentir, experimentar, incluso participar. Al espectador se le exige una empatía, que sea capaz de interpretar esos acontecimientos y llevarlos después a otros terrenos.

El arte de acción, incluye distintos tipos de manifestaciones (happening, la performance, el fluxus y accionismo vienés), con características propias, pero muchos elementos en común. Esto implica dificultades para distinguir cada uno de estos movimientos, porque además los mismos artistas realizan acciones que pueden ser happening, performances, etc.
Tiene relación con el body art donde el artista trabaja con su cuerpo de distintos modos, a veces a través de acciones corporales que se realizan delante de un público.

EL HAPPENING

– Allan Kaprow

Atlantic City, 1927 – California, 2006
Pintor estadounidense.
Fue el primer artista en realizar un happening, y lo define como “acontecimiento“, como algo que simplemente “sucede que sucede”.
Es la extensión de un “ambiente” artístico. Una obra que no es un objeto, sino la recreación de un ambiente, la apropiación creativa de un espacio.
El artista desarrolla una acción, y se puede acompañar de objetos artísticos, de olores, de vídeos, danza etc. con el fin de estimular los sentidos y el instinto del espectador. El espectador no es un simple mirante, sino que se le exige una participación plena.
Es importante crear un estado receptivo en el espectador. Consiste en una acción previamente organizada, pero ha de intervenir el azar. La estructura fija que haya preparado el artista, puede variarse finalmente según la intervención del espectador.
Importa menos el contenido que se quiere transmitir, y más que el espectador asuma nuevas formas de percepción y de comportamiento, que tenga la conciencia “abierta a”. Los significados son múltiples en función de las asociaciones que haga cada espectador.
Lo que busca finalmente un happening es la crítica a la sociedad de consumo, la crítica a un mundo que está previamente dirigido y que no deja vía libre a los instintos, a la imaginación. Busca dar vía libre a los contenidos alucinatorios, reprimidos o neutralizados por la industria y la cultura, dar rienda suelta al mito, a lo mágico que tiene por sí mismo el hecho histórico.

Allan Kaprow ocupó un lugar esencial en el arte del siglo 20 al haber creado y desarrollado la forma de arte denominada “happening“, a finales de los años cincuenta y en los años sesenta.
Su obra “18 happenings in 6 parts” que tuvo lugar en Reuben Galley de Nueva York en otoño de 1959, bautizó con este nombre, happening, una compleja serie de actividades de artistas, norteamericanos y europeos que consideraban que el arte no podía desligarse de la vida y en el que el espectador entraba a formar parte de la obra de arte. Son palabras del artista: “la línea entre el arte y la vida debe mantenerse tan fluida, y quizás indistinta, como sea posible”.

En 1962, A. Kaprow llena de neumáticos un patio vecinal. Los niños juegan despreocupados entre las ruedas; vecinos y paseantes ocupan este espacio. Es un ejemplo de apropiación de un espacio para crear otra cosa distinta.

Otros creadores notables de los “acontecimientos” (happenings) son Claes Oldenburg y Jim Dine, entre otros.

– Jim Dine

Cincinnati, EEUU, 1935
Pintor, escultor y artista gráfico.
Fue también uno de los pioneros de los happening, especialmente, entre 1959 y 1960.
El artista conjuga “pasión personal y experiencias cotidianas”. El uso repetido de objetos conocidos e importantes para el artista (como batas, manos, herramientas o corazones) constituyen una marca distintiva de su arte.
Organiza en 1959 la representación de “El obrero sonriente“. En esta obra, el autor, disfrazado, aparece realizando actividades cotidianas, como comerse un plátano, dibujar sobre sábanas blancas máscaras y la palabra “I love”, beber la pintura y echársela por la cabeza… El obrero sonriente habla del arte, de cómo el arte no es algo duradero porque lo mismo que las pinta las destruye, y lo hace disfrazado quitando valor al arte y dándole un carácter más festivo y menos solemne. A esta obra, pronto siguieron “Accidente de automóvil“, que se representó en la Galería Reuben de N. York en noviembre de 1960, cuyas fases sucesivas (que duraron como veinte minutos en total) eran una alegoría de las palabras del título, reconstruyendo las sensaciones producidas por un accidente de tráfico; y otras obras.

En Estados Unidos, la moda de los happening decayó. Su papel fue gradualmente robado por el teatro experimental o teatro Off-Brodway… A pesar de que los happenings dejaron de estar de moda en Norteamérica, hubo un resurgimiento del entusiasmo por ellos en Europa, donde se les describió como “eventos“. Los países donde hubo más actividad fueron Inglaterra, Alemania y Austria. Fuera de Europa, se crearon eventos espectaculares en Japón.
En Inglaterra es conocida la obra de Stuart Brisley (Haslemere, Inglaterra, 1933), que combina imágenes de distanciamiento con obras que parecen preparadas para provocar rechazo o náusea. Para un evento, Brisley pasó muchas horas casi sin moverse en un baño lleno de agua y vísceras de animales
Pero la obra más extensa, violenta y terrorífica pertenece a varios miembros del Grupo Viena en Austria (Hermann Nitsch; Otto Muehl;…).

Es Jean-Jacques Lebel (París, 1936), uno de los primeros autores en escribir sobre el happening, con un libro “El happening” (1966) en el que defendía la idea de que el happening es un instrumento de rebeldía en la búsqueda de la liberación de los condicionamientos sociales. También es autor de la obra “Anti-Profray” (1966), con claro contenido político, como oposición a la guerra de Argelia.

LA PERFORMANCE

La performance bebe de las fuentes del happening, del arte corporal, de la danza, la música, el teatro, los medios tecnológicos y las artes plásticas.
Se realiza delante de un público que generalmente es pasivo. El escenario puede ser lo mismo un teatro, una sala de una galería de arte, una vía pública, un estudio etc.
Suele tratarse de una realización individual, o de pequeños grupos, en los que el artista no representa ningún papel, sólo se expresa a través del cuerpo, de los gestos, para transmitir determinadas ideas, ayudándose también de medios técnicos sobre todo de la música y de imágenes proyectadas con video y, a veces, dejándose llevar por la improvisación.

– John Cage

Los Ángeles, 1912 – Nueva York, 1992
Compositor e instrumentista estadounidense.
El precursor de la performance fue este músico, John Cage, que desde 1937 reivindicaba los ruidos como futuro de la música, capturando ruidos cotidianos con los que hacía composiciones muy originales. En sus conciertos (uno de ellos lo hizo en el MOMA de N. York) la gente abierta a la experimentación, escuchaba cómo sus músicos tocaban cencerros, botellas, campanas, láminas de metal. etc.
Un concierto-performance de J. Cage, en 1952, fue 4’33“, cuatro minutos y treinta y tres segundos, en el cual el famoso pianista David Tudor se sienta en silencio frente al piano (lo único que hace es mover silenciosamente las manos, tres veces). La “música” consiste en todos los sonidos que hay en el salón durante el tiempo que dura la “pieza”, cuatro minutos y treinta y tres segundos exactos.

J. Cage ha bautizado este tipo de composición como “música no-intencional”. Casi todas las obras de este artista, desde 4’33“ han sido compuestas de tal manera que incluyen sonidos no intencionados, aquellos que se “encuentran” en el campo auditivo del oyente; pero el último significado de 4’33“ es que en el arte todo es posible, incluyendo la nada. “No tengo nada que decir y lo estoy diciendo, y esto es poesía”, afirma J. Cage.

En sus orígenes, las actuaciones eran más improvisadas y azarosas, con mucho contenido crítico; posteriormente, sobre todo a partir de los años 80, tendrán un gran carácter espectacular, con espíritu muy profesional, llegando a ser difusa la diferencia entre performance y teatro, y siendo mucho menos críticas.

De octubre 2009 a enero 2010, el MACBA presentó una gran exposición, cuya muestra reunió más de 200 obras del músico y de Duchamp, Warhol, Rauschenberg, Nam June Paik y Fluxus, entre otros.
Bajo el título “La anarquía del silencio. Jonh Cage y el arte experimental“, el Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA) presentó no sólo la mayor exposición dedicada al músico después de su muerte en 1992, sino la primera en contextualizarlo en la historia de las artes visuales, musicales y escénicas.

Entre las representaciones americanas, están las Oppenheim, performances muy visuales y bellas en las que en lugar de intérpretes usaban pequeñas marionetas de madera, que se acompañaban de música y de frases. Las pequeñas figuras se hacían preguntas sobre el sentido del arte, las raíces del arte, etc.

Por otra parte, americanos son los representantes de performances más exhibicionistas, que no tenían tanto interés artístico, como que el performer se exhibiera sin pudor, mostrando incluso sus aspectos más íntimos, sus inclinaciones más perversas y no aceptadas por la sociedad, como modo de protesta: Vito Acconci se masturbaba en público; Chris Burden se chutaba delante del público o se hacía disparar…

En Europa, algunas performances fueron muy políticas. Pequeñas acciones y gestos de impronta dadaísta que atacaban el sistema y a los valores del arte establecido.
Los pioneros de las performances fueron algunas acciones de artistas tan carismáticos como Y. Klein o P. Manzoni. Intentaban desmitificar el arte y acercarlo a la vida.

Manzoni (1933-1963), usó el cuerpo como material artístico. En 1961, firmó sus “Esculturas vivas”: mujeres desnudas que firmaba en alguna parte del cuerpo. Eliminó el lienzo y se dedicó a firmar cuerpos otorgándoles un certificado de autenticidad con la inscripción: “Con la presente certifico que X ha sido firmado con mi mano y, por tanto, a partir de este momento es una auténtica y verdadera obra de arte”.
También puso en venta las 90 latas de “Mierda de artista”, o expuso globos que contenían su aliento, entre otras obras.

– Gilbert & George

Gilbert Proesch: San Martín de Tor (Italia), 1943.
George Passmore: Plymonth (Reino Unido), 1942.
Dos artistas contemporáneos que trabajan juntos como dúo.

Sus acciones son críticas, pero trabajadas con humor e ironía. Quieren transmitir la idea de que la actividad artística no está separada de la actividad cotidiana; que cualquier persona puede ser un artista.
La primera fue la “escultura cantante” (Underneath the Arches, 1969), donde los artistas, vestidos con trajes corrientes, uno llevando un bastón y el otro un guante, y con las caras pintadas de dorado, se movían de una manera mecánica, como si fueran títeres, encima de una mesa durante unos seis minutos, con el acompañamiento de una grabación de la canción de comedia musical “Bajo los arcos”.

Las “performances” de los ingleses Gilbert & George, representan el “Estilo Bonito”, la actitud estudiada. Ambos lograron una tremenda reputación con esta pieza llamada “Escultura cantante“. La idea era la preocupación por el estilo y la elegancia…Se describían a sí mismos como “esculturas vivientes” y hay más de una implicación en el hecho de que todo lo que hacen debe ser considerado como arte.

– Joseph Beuys

Alemania, 1921 – 1986
Un artista que parece tener un propósito muy similar al de los ingleses Gilbert & George, a pesar de que en otros aspectos es muy diferente, es el alemán Joseph Beuys. De todos los ejecutores de eventos y acciones, Beuys quizá sea el más discutido y uno de los más polifacéticos.
Beuys fue uno de los artistas alemanes más conocidos, y, a la vez, más controvertido de la posguerra: sus obras y acciones fueron revulsivos llamados a la reflexión. Para Beuys, “todo ser humano es un artista“, y cada acción, una obra de arte. Esta concepción ampliada del arte despertó revuelo y desató debates en todo el mundo. Las obras de arte eran para Beuys tan efímeras como la vida. Por ello nunca quiso crear obras para la eternidad, sino dar impulsos para la reflexión.
Sus materiales preferidos fueron la grasa y el fieltro (estos elementos le habían salvado de una muerte segura, en 1943, al ser derribado su avión Stuka sobre Crimea). Beuys tomó elementos mitológicos, filosóficos, médicos y religiosos, en su intento utópico de ayudar a crear una sociedad más humana. Muchos de sus dibujos, acciones y conferencias contienen referencias al mundo de la medicina, tanto popular como académica.
Analizó intensamente el chamanismo y veía en él un enfoque médico integral, que armoniza a todo el ser: su cuerpo, su espíritu y su alma.
Para el artista, el chamanismo, es una filosofía natural que evoca un mundo originario en el que todos los seres viven en armonía. En 1963, Beuys da el primer concierto de Fluxus (movimiento neodadaísta que tenía como objetivo difuminar los límites entre las artes) con una “Composición para dos músicos” y la “Sinfonía siberiana, primer tiempo“, durante la que presenta por primera vez una liebre muerta, lo cual es un shock para el público.
En 1965, Beuys pasa 24 horas dentro de una pequeña caja de naranjas. Durante la inauguración de la exposición “Beuys…cualquier soga“, explica las obras a una liebre muerta. En sus acciones hace confundir prácticas religiosas, rituales, curativas, sociales, científicas y políticas.

La comprensión de temas ecológico-sociales, puestos en juego en el medio ambiente, llevó a la “Escultura social” de este artista alemán. Fue un proyecto a largo plazo dirigido a replantar los robles de la ciudad de Kassel. La escultura comprendía 7000 columnas de basalto en la ciudad, y cada vez que se plantaba un roble, se quitaba una columna.

Las performances, por definición, desprecian la identidad del arte como mercancía, declaran la guerra a galerías y museos, que encierran en sus paredes y llaman arte, a objetos que fueron creados para otros fines (mágicos, religiosos, políticos…).

En las últimas décadas la performance se ha centrado en la idea de un gesto conceptual, donde se aborden cuestiones sociales, filosóficas o políticas, como la pobreza, el sida, el calentamiento global, la violencia… Ha influido de forma clara en el teatro. El grupo catalán La Fura dels Baus (web oficial / wikipedia) se hizo mundialmente famoso en los ochenta por sus propuestas que exploraban el tema de la violencia desde diferentes puntos de vista. Hace poco cumplieron 25 años como grupo y su influencia en el teatro alternativo actual es notable.
La Fura dels Baus empezó como grupo de teatro urbano que buscaba un espacio escénico distinto del tradicional. En sus primeros espectáculos “Accions”, “Suz/o/Suz” y “Tier Mon”, la base de su trabajo estaba formada por una gama de recursos escénicos que incluían música, movimiento, uso de materiales naturales e industriales, aplicación de nuevas tecnologías y la implicación del espectador directamente en el espectáculo.

FLASHMOBS

Ahora, en nuestros días, los flashmobs, “nuevo espectáculo” y “búsqueda” enmarcada en la eterna necesidad de expresar, de reclamar, de compartir…
Artistas, también, que buscan la sorpresa, la risa, el valor de la espontaneidad con actuaciones más colectivas que individuales, y que, a la vez, pueden reivindicar acciones, despertar conciencias, crear interrogantes… Nos adentramos en el llamado “ocio del siglo 21”.

El caso de los flashmobs, cuyo término encierra el contenido de destello o ráfaga, unido a multitud, está siendo cada vez más frecuente en nuestras ciudades. Son actuaciones que llevan consigo el efecto “bola de nieve” y que en sí mismas son “movimientos inexplicables”. Se apoyan en una combinación de lo sociológico y lo tecnológico. D. de Kerckhove es uno de los autores que define o describe la ciborgización.
El fenómeno del flashmob se puede definir como un grupo de personas que se reúnen simultánea, transitoria y voluntariamente, sin que sea necesario que se conozcan con anterioridad, en un lugar público para realizar algo inusual o notable (suelen ser acciones simbólicas) para luego desaparecer de improviso. Usualmente están organizadas a través de Internet u otro sistema de comunicación digital.

Los flashmobs, con motivaciones o matices sociales o políticos, son “smartmobs”. Según Howard Rheingold, los smartmobs son indicadores de la evolución de las tecnologías de la comunicación y son éstas las que otorgan poderes a las personas.
Los que fundamentan su actuación en el gesto absurdo multitudinario, son “absurdmobs”.

El hecho de irrumpir de forma inesperada en la cotidianidad de la gente, en plena calle o en un lugar público, es lo que provoca el efecto interrogante, después de la sorpresa, la risa o el absurdo…
También puede significar una moda de protesta pacífica que hace reflexionar sobre un tema, movilizando a mucha gente en un acto breve, que impacte y realizado en algún espacio público de alto tráfico.
O simplemente mostrar una habilidad de forma sorprendente e inesperada para los que pasan por el lugar: 200 bailarines, que sólo ensayaron dos veces, logran a través de la danza, impactar con la realización de un flashmob en la Central Station Antwerp de Bélgica, a las 08:00 horas del 23 de marzo de 2009. Una bella manera de impactar y lograr que la gente se anime en una fría mañana belga.

El primer flashmob organizado en España, se convocó en Barcelona el 04.10.2003, al lado de la estatua de Colón, de les Rambles: la convocatoria, transmitida mediante Internet y mensajes de móvil decía: “hacer el indio”. El flashmob consistió en situarse en la base del monumento con el brazo en alto, apuntando con el dedo índice hacia el mar. Después de pasar dos minutos, había que dar dos vueltas, y a continuación gritar “¡Qué vienen los indios!”.
A partir de éste, se han ido sucediendo diversos “espectáculos-flashmob”, en Barcelona y en otras muchas ciudades españolas.
+ info: Barnamob

3. ARTE Y PERCEPCIÓN

GRANDES ESPACIOS

– Claes Oldenburg

Estocolmo, 1929
A los cinco años se trasladó con su familia a Chicago y más tarde a Nueva York.
Claes Oldenburg (web oficial / wikipedia) se considera un escultor estadounidense, pionero del Pop Art. Participó con artistas promotores del happening, como Jim Dine y A. Kaprow.

Llaman la atención sus famosas instalaciones de arte público que representan réplicas a gran escala de objetos cotidianos. También destaca por sus versiones en escultura blanda de objetos normalmente duros. Juega, pues, con la escala de los objetos y sus texturas.
Con las esculturas, expuestas en lugares abiertos, quiere provocar una alteración de la percepción que habitualmente se tiene de los objetos que nos rodean.
Diseña, por ejemplo, un puente con las formas de un tornillo doblado, o de una cucharilla que soporta una inmensa cereza de color rojo vivo destacado (1988).
Otros ejemplos de “monumentalización de objetos cotidianos” son: El “Botón roto” (1981, Universidad de Pensilvania, Filadelfia; o la gran “Piqueta” que clavó en un jardín de Kassel, en 1982.

Claes Oldenburg es un artista, un creador que busca lo cotidiano de forma divertida y desenfadada, pero al mismo tiempo, procura hacernos reflexionar sobre aquello que nos rodea de manera habitual, tratando de enseñarnos que el arte está entre nosotros.
También son muestra de su ingenio e ironía, las siguientes esculturas que ha colocado en diversos espacios urbanos:

Clothespin” (Pinza de la ropa, 1976)
Square Plaza (cruce de 15th Street y Market Street), Filadelfia.
Tiene unos 14 metros de altura.

Batcolumn (Bate de béisbol, 1977)
Harold Washington Social Security Center, 600 West Madison Street, Chicago, Illinois.
Es de acero y aluminio pintado con esmalte de poliuretano. Mide 29,5 m de altura.
Esta escultura demuestra la fascinación del artista por la escala y los cambios en la importancia de los objetos cotidianos cuando se los agranda a proporciones monumentales.

Match cover” (Mistos, 1992)
Vall d’Hebrón (Barcelona).
Esta caja de cerillas gigante está hecha de acero, aluminio, plástico reforzado con fibra y pintada con esmalte de poliuretano. Mide en total: 20,7 x 10,1 x 13,2 metros. Un ejemplo de integración contextual.

The Sunken Bicycle” (La bicileta sumergida, 1990)
Parc de La Villette, París.
Una bicicleta aparentemente enterrada, de la que solo percibes un trozo de rueda, de sillín, parte del manillar…
Está hecha de acero, de aluminio, de plástico reforzado con fibra y pintada con esmalte de poliuretano.

En el campo del Arte arquitectónico también hay múltiples y variadas manifestaciones que provocan interrogantes o nos sorprenden por lo que representan de “poema extraño”, “juego” con el espacio, con la percepción visual o la integración original con el paisaje…

– Christo and Jeanne-Claude

Christo (Gabrovo, Bulgaria, 1935)
Jeanne-Claude (Casablanca, Marruecos, 1935 – Nueva York, EE.UU. 2009)

Dentro del Land Art, “arte de la construcción del paisaje” o “arte terrestre”, la pareja artística de Christo y Jeanne-Claude (web oficial / wikipedia) destaca como de las más innovadores y originales.

Nueva York fue el lugar de residencia de la pareja, desde 1964.
Nuestro trabajo trata siempre de la libertad” son palabras de Jeanne-Claude, que se consideró enemiga de la posesión y la durabilidad.
Se caracterizan, principalmente, por utilizar tela para envolver gigantescos edificios o cubrir extensas áreas públicas: realizar instalaciones artísticas al aire libre.

Algunas muestras de sus trabajos artísticos son:

Verhüllte Bäume” (Árboles Cubiertos, 1998)
Entre el 13 de noviembre y el 14 de diciembre de 1998, Christo y Jeanne-Claude envolvieron 178 árboles en el Parque Berower, al noroeste de Basilea, Suiza. Para cubrirlos, utilizaron 55.000 m2 de un poliéster brillante, color plata, y 23 km de soga. Las ramas de los árboles empujaban la tela, creando formas únicas en cada uno de ellos. El tamaño de la obra variaba entre 2 y 25 metros de altura y 1 a 15 metros de ancho, dependiendo del volumen de las copas de cada árbol.
Se trataba, también, de observar los resultados del ruido del viento en este material y los resultados visuales de las sombras y colores cuando el sol se centraba en los árboles.

Wrapped Coast” (Costa envuelta, 1969)
A finales de 1969, envolvieron la costa de Little Bay, en Sidney, Australia. El proyecto necesitó 9.300 m2 de tela sintética y 56 km de soga.  Las formas de los acantilados costeros se hicieron más suaves y abstractos con la tela que los cubría, haciéndolos sentir, similar a las olas… Creando un gran juego de percepciones y sensaciones originales y bellas.

“Surrounded Islands” (Islas rodeadas, 1983)
La pareja planeó un proyecto basado en la idea de Jeanne-Claude de rodear las islas en Biscayne Bay de Miami. Emplearon 603,850 m2 de polipropileno rosado. La obra estuvo finalizada en mayo de 1983, con la colaboración de 430 ayudantes, y pudo ser contemplada durante dos semanas.

Muchos son los artistas-arquitectos, que se atreven con propuestas innovadoras y obras que llevan este sello de “juego arquitectónico”.
Algunos ejemplos:

– Gabriel Orozco

Xalapa, México, 1962

Gabriel Orozco es un gran artista contemporáneo, mexicano, que con su producción artística y propuesta estética, traslada lo cotidiano a la obra de arte y a las propiedades físicas de esta cotidianeidad, junto con la poca resistencia que el artista ofrece al azar incorporándolo en su trabajo. Elementos como los balones de fútbol, restos de cajas de cartón, caracoles, huesos, metal, piezas que dejan ver el paso del tiempo y nos remiten irremediablemente al mismo recordándonos lo temporales que somos a través de la transformación de la materia, señalando al mismo tiempo, el lugar donde el arte se encuentra.
En medio de lo cotidiano, plantaba lo insólito. Se ha dicho que su obra “reescribe ciudades”. No tiene estudio, porque quiere crear, convertir cualquier situación en experiencia estética.
Los expertos han señalado que los juegos de opuestos y la percepción de las dualidades de las cosas son preocupaciones constantes que dotan a este “jalapeño” de un carácter universal: lo humano y lo mecánico, lo hallado y lo manufacturado, la naturaleza y el impacto ambiental, la geometría y el azar…

“La DS” (1993)
Esta creación, consistente en un Citroën rebanado y transformado, sin la parte central, en una especie de bólido estilizado, tuvo mucho éxito.

“Black Kites” (1997)
Calavera que cubrió con franjas entrecruzadas hasta formar un ajedrez desfigurado

“Semilla” (2003)
En el Palacio de Cristal de Madrid, reproduciendo su aportación arquitectónica en la Bienal de Venecia.

El artista, en una conferencia en el 10º Congreso Internacional de Arquitectura y Diseño Arquine, (12 de marzo de 2009), presentó una retrospectiva de su obra en la que abordó los temas que le interesan, como el uso o la ruptura de las simetrías, la aproximación a la realidad, lo monumental de lo cotidiano, el diseño como accidente, y una de sus magnas fijaciones: el agua.
El agua para mí significa un momento de conciencia, un momento de suspenso, es sinónimo de movimiento constante, de fluidez, y cuando está quieta se convierte en un espejo”.

Su obra “Casa observatorio”, en México, es el resultado de una réplica de un observatorio de Nueva Delhi que hizo en una playa y en la que sustituyó la bóveda por una alberca. Allí, el agua funciona como reflejo para observar las estrellas.

JUEGOS DE PERCEPCIÓN, GEOMETRÍA

Otro campo artístico de reflexión es el de artistas, pintores, escultores,… que juegan con la aparente transformación física de los espacios, usando la percepción visual y la perspectiva. Producen “juegos” visuales, espaciales…, mediante objetos, pintura, y que buscan la sorpresa del espectador a nivel perceptivo. El “juego” con la percepción, la deformación de la perspectiva, las “trampas” visuales o espaciales.

– Felice Varini

Locarno, Suiza, 1952. Vive en París.

Claro exponente de este enfoque artístico: “La forma del espacio en la retina”.
Felice Varini (web oficial / wikipedia) declara: “Mi campo de acción es el espacio arquitectónico y todo lo que constituye dicho espacio. Estos espacios son el soporte original de mi pintura. Trabajo in situ cada vez en un espacio diferente y mi trabajo se desarrolla en relación con los espacios que encuentro”.
El punto de vista es elegido cuidadosamente situándose al nivel de su ojo, como si se tratara de un punto de lectura, y ese punto, cuando el espectador comienza a moverse genera diferentes visiones de la obra, como si se tratase de varias obras en una.
Las obras de F. Varini pueden definirse como “trampas ópticas”, que transmiten júbilo y establecen la sensación de relatividad del espacio y el tiempo.
El artista, pintor, escenógrafo y fotógrafo, juega con los volúmenes y las perspectivas, que significan una riqueza de posibilidades: sus múltiples ángulos le permiten sentir la experiencia móvil de las formas cambiantes ya sean pictóricas o fotográficas. Tiene en cuenta el movimiento, como la iluminación y los puntos de vista que, en función de las horas y las estaciones están cambiando nuestra percepción del entorno.
F. Varini utiliza cierto tipo de anamorfosis para crear imágenes en habitaciones y exteriores que adquieren una forma perfecta desde un punto de vista determinado. (“La misteriosa segunda dimensión de la arquitectura”).
Se ha servido de la Arquitectura y de los espacios abiertos. Se trata de un experimento con el espacio, un acto de fricción entre bidimensional y tridimensional, que pone en juego coordinado a las artes arquitectónicas y pictóricas.
Algunas propuestas sobre la percepción del espacio dependiendo del punto de vista son:

– Escher

Leeuwarden, Holanda, 1898 – Baarn, Holanda. 1972

Artista holandés conocido por sus grabados en madera, xilografías y litografías que tratan sobre figuras imposibles y mundos imaginarios (web oficial / wikipedia / museo Escher).
Su obra experimenta con diversos métodos de representar (en dibujos de dos o tres dimensiones) espacios paradójicos que desafían a los modos habituales de representación. Basa sus trabajos en situaciones, soluciones a problemas, juegos visuales y guiños al espectador.
Su obra ha interesado a muchos matemáticos.
A Escher siempre le obsesionó el conflicto entre la realidad y la forma de plasmarla en el plano. Jugó con la representación en tres dimensiones para generar obras que saltaran por encima de las normas, produciendo efectos tan imposibles como llamativos, o llevando al límite las posibilidades que permiten la representación.

“Relatividad”, 1953. Litografía.
Formas visibles, pero imposibles”. Es un juego de perspectiva, creando escaleras que suben o bajan infinitamente: Debido a la perspectiva, cada porción de dibujo sugiere al observador una realidad física aceptable, que se desarma al considerar la figura completa.
El propio Escher afirma: “Todos mis trabajos son juegos, juegos serios”.

“Cielo y agua “, “Aire y agua “.
Esta obra pictórica contiene un “interjuego” o actividad, que lleva al espectador a observar diversos planos o áreas. Como una pieza musical, esta imagen contiene un ritmo, unas repeticiones que logran dar sentido de unidad. También se observa la complementariedad de los opuestos.

Respecto de este autor, es importante destacar la exposición que tuvo lugar en la Fundación Canal de Madrid (2007-2008).
Fueron autores de la misma, Carlos Ferrater y Borja Ferrater, de la Office of Architecture in Barcelona (OAB).
Con el título “Escher: El arte de lo imposible” se expusieron 135 xilografías, litografías y grabados. Dicha muestra ofreció una completa visión de la obra del artista holandés, quien volvió de este modo a España, donde había encontrado la fuente de inspiración para sus originales creaciones de ilusiones ópticas y espacios imposibles.
Carlos y Borja Ferrater en esta exposición dedicada a M.C. Escher, crean un tipo de estética, jugando exactamente con lo mismo que juega Escher. Juegan con ilusiones ópticas a lo largo de todo el recorrido. El diseño lo crearon específicamente para la muestra, manipulando el espacio, entonándolo con las obras, pareciendo que la exposición entera, fuera en sí misma una obra de arte…
También son autores del libro “Sincronizar la Geometría” (Ed. Actar), que tiene mucho que ver con el pensamiento de Escher.

ARQUITECTURA

En el campo del Arte arquitectónico, también hay múltiples y variadas manifestaciones que provocan interrogantes, o nos sorprenden por lo que representan de “poema extraño”, “juego” con el espacio, con la percepción visual, o la integración original con el paisaje…

– SITE

Es una oficina de renombre internacional compuesta por arquitectos, artistas y diseñadores, fundada en 1970, y situada en la zona de Wall Street de Nueva York (web oficial).
Uno de los objetivos presentes en los proyectos de SITE, consiste en crear la arquitectura y los espacios públicos respondiendo a la información social, psicológica, cultural y ecológica de los distintos lugares: la integración de los edificios con su entorno circundante.
En los primeros años, motivados por las revoluciones sociales y políticas de los años 60, abogaron por la fusión del arte visual, los edificios y el paisaje. El trabajo del grupo hoy, no es tanto sobre la arquitectura como un objeto de estar en el medio ambiente, sino más bien acerca de la integración de la estructura y el contexto, como una fusión total de elementos, que forman juntos el medio ambiente.
En respuesta a la era actual, de la información y la ecología, el grupo SITE cree que una arquitectura verdaderamente sostenible para el futuro debe proporcionar una definición más amplia del diseño verde y un mayor nivel de comunicación con el público. Debe buscar la integración de la información social, psicológica, ecológica y de contexto como base para un nuevo lenguaje arquitectónico.
Como respuesta a este enfoque creativo, las obras recientes de SITE se basan en fuentes de inspiración como los sistemas de comunicación, las ciencias naturales y las tecnologías de conservación de energía.
Muchos son los proyectos llevados a cabo en todo el mundo, pero como ejemplo de “juego arquitectónico”, incluyo imágenes de algunos de los edificios comerciales diseñados para la empresa Best: Grandes almacenes de la cadena Best, en varias ciudades de EE.UU., proyectados entre 1970 y 1984.
El primero fue el proyecto Peeling, al que siguieron una serie de ocho proyectos más. En la construcción, algunas partes de la chapa de ladrillo de la fachada se levanta, aparentando pelarse y revelando el más allá.
Estas obras representan una innovación escultórica que produce el efecto de la arquitectura en un estado de provisionalidad y de inestabilidad. Al participar de un contexto de normalidad, esta intervención se convierte en una combinación de utilidad cotidiana y ambigüedad visual.
Son proyectos que juegan con la inversión de elementos, la fragmentación, el desplazamiento, las distorsiones de la escala, y las invasiones de la naturaleza. Este enfoque es una forma de crear interrogantes y buscar respuestas del público y del entorno.

Como resumen, el grupo SITE, con el liderazgo de James Vine, ha consolidado una forma metafórica de hacer arquitectura. En esos edificios, las fachadas se convierten no sólo en un reclamo publicitario y ambiguo, en el que los muros aparecen arruinados, doblados, inclinados o despegados, sino que además plantean la recuperación de una vieja polémica de la Ilustración, la de la relación entre arquitectura y construcción en la que el muro cumple una función decisiva como forma de la arquitectura.

“Peeling Project”, Richmond VA, 1971.

“Indeterminate Façade Building”, Houston, TX, 1974.

– James Turrel

Los Ángeles, California, 1943

James Turrell crea obras en las que el campo visual es amplio y, a menudo, desorientador, destinado a estimular la conciencia perceptual del espectador.
La insistente indagación del artista, será “el misterio de la luz”. Convierte la luz en una cosa, jugando con las sombras y obligando al público a llegar a otra percepción.
Su obra es una combinación de la física y la astronomía con el arte.
Crea ventanas desmaterializadas, que permiten tener percepciones contradictorias al no saber si es una ventana o una loza, si es plafón o el cielo.

“Roden Crater” (Noreste de Flagstaff, desierto de Arizona). Es un extinto volcán-cráter, un “Observatorio” en el ojo del volcán. Incluye senderos, túneles, salas en el interior y exterior… Excavar la tierra, para estar así más cerca del cielo.

– Peter Eisenman

Newart, Nueva Jersey, EE.UU, 1932

Arquitecto estadounidense de origen judío (web oficial / wikipedia)
Desarrolló una arquitectura con un enfoque radicalmente geométrico, obtenida a partir de complejos diagramas axonométricos.
Exploró el concepto de torsión 3D, y le interesa despojar los significados superficiales de la arquitectura. Es famoso por sus cubos substraídos, que llevan a la formación de la  L-tridimensional.
Eisenman se presenta como patriarca de las aplicaciones del pliegue y la deterritorialización.
Persiste en su manifiesto de crear una arquitectura que perturbe, hasta el punto de incomodar a sus usuarios. Este efecto lo ha logrado por medio de las sorprendentes formas geométricas de sus edificios, en los que apenas se ven ángulos rectos ni superficies auténticamente verticales u horizontales.
Influenciado por el filósofo Jacques Derriba, seguidor de la filosofía desconstructivista, está también preocupado con la “metafísica de la presencia”. La dialéctica de la presencia y la ausencia, o lo sólido y lo vacío, aparece en muchos proyectos de Eisenman.
Aplica en sus obras su gusto por el deconstructivismo, que incluye ideas de fragmentación, procesos no lineales, geometría no euclídea, desequilibrios geométricos. La apariencia visual de los edificios de este estilo se caracteriza por un caos controlado.

“Memorial al Holocausto”, Berlín, 2005.
Diseñado para producir una atmósfera molesta y confusa. La escultura trata de representar un sistema supuestamente ordenado que ha perdido el contacto con la razón humana.
Las estelas o pilares, que forman el monumento, de diferentes alturas y tamaños, los pasillos estrechos para caminar en fila, el color gris, la inclinación casi imperceptible del conjunto del monumento que transmite apariencia de fragilidad …, crea una sensación de inseguridad. También se conoce como “Lugar de significado”.

4. OTROS

Recorriendo las muchas muestras arquitectónicas que existen en el mundo, que nos sorprenden, desorientan, confunden,… a primera vista, voy a seleccionar algunas entre los edificios más extraños y fantásticos del mundo. Muestra de arquitectura creativa:

Dancing construction (Praga, República Checa).
“La casa danzante”, 1997, de Frank Gehry (web oficial / wikipedia) i Vlado Milunic, es un edificio deconstructivista que representa a una mujer y a un hombre (Ginger Rogers y Fred Astaire), bailando juntos.

“El edificio de la cesta”, Ohio, EE.UU, 1997
Esta cesta es el edificio principal de la compañía de canastos Longaberger. Su presidente quiso para el edificio central, una réplica exacta de la cesta que les identificaba como empresa. La broma le costó más de 30 millones de dólares y dos años de obras.
Dave Longaberger, pretendía llamar la atención sobre la empresa y al mismo tiempo, contribuir a la construcción de una nueva marca.
Sin embargo, cuando comenzó la difusión de la idea de construir una cesta, la gente pensó que se trataba de una broma.
Ni los banqueros, ni los arquitectos tomaron en serio la idea, pero Longaberger perseveró.
Su visión del edificio se completó el 17 de diciembre de 1997, cuando la oficina, que está diseñada para parecerse a una cesta, fue abierta para las oficinas.

“Casa de piedra” (Guimaraes, Portugal).
Incluyo esta imagen por lo que tiene de originalidad, de perfecta integración con el entorno, de artístico “camuflaje”. No deja de ser un canto a la naturaleza y a la vida…, un poema…,un “juego”, aunque desconozca al artista.

“Hotel Daspark”: Hotel de tubos de hormigón, que son habitaciones, de Andreas Strauss, a orillas del Danubio, Viena.

Como final me parece interesante citar la frase de quien es considerado el arquitecto más influyente del siglo 20, Le Corbusier:
Arquitectura es el sabio juego, correcto y magnífico de los volúmenes compuestos bajo la luz“.

Este trabajo ha sido desarrollado por Eva Portilla Rodríguez en relación a los temas tratados en los dos últimos Talleres Verticales celebrados en la EsArq:
– Taller Vertical 2008: “Juegos: un juego en un lugar”
– Taller Vertical 2009: “Objetos vivos, juegos sociales”

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2 Comments

Filed under Actualitat ESARQ, Cultura, Taller Vertical

2 responses to “La Arquitectura como juego. Objetos vivos, juegos sociales

  1. sergio barboza

    Excelente!

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